《接近無限溫暖的藍》—紮實、深刻的成長記

 

法國片《接近無限溫暖的藍》盛載的，除了是一對同志的愛恨相纏，還有是主角Adele跌跌碰碰的成長歷程，而且後者的著墨更為深刻。

電影片長近三小時，述說女主角Adele從中學時期到成年任教師的逾十年歲月；她起初對感情及性向都感懵懂，惟經歷過一場霧水情緣後，慢慢了解真我；直至她遇上染藍髮的藝術系女生Emma，展開了一段刻骨銘心的愛情；但隨著二人相處時間日久，亦因著事業的際遇不同，彼此感情從親密得如膠似漆，慢慢變成疏遠，並出現背叛及爭執，美景慢慢被撕破。

本片細膩描寫主角Adele的心境，順著劇情推進，觀眾也一步步感受她的成長，以及當中的患得患失；她最初發現自我時，不忌諱釋放情感，卻了解到坦白會令自己和別人受傷；直至她找到意中人，確認人生目標，又放手一搏地豁出去；後來她經歷種種傷痛，由迷茫到慢慢調適，最後將悲傷放在心底裡，並踏出灑脫的一步。

對於歲月的流逝，電影交待得很含蓄，沒有煞有介事地寫下「多少年後」，或加插過渡片段，效果卻是行雲流水，因為角色的言行舉止印證了一切；藍色亦在電影佔著重要一環，亦從開首的耀目示人得有點刺目，漸漸不經意融入在不同環節當中，轉成柔和的襯托；Emma的藍髮在前半段形同標誌，不時乍現的藍色氛圍亦搶眼；但隨著主角愛得Emma愈深，藍色亦愈來愈融入她的生活當中：衣服、身處的環境、不同用品等，都有或淺或深的藍；藍色形同Emma一樣，變成了她生活不可割裂的部份—即使Emma後來的頭髮已染回金色。

值得一提的是關於Adele參與社運的段落。該段雖然篇幅短，效果卻甚為強烈。女孩發現自我前，也有參與社運，但那時她站出來，像是旁觀者般，為不公的制度、受壓逼的弱者發聲，但始終未算切身，總有點抽離；直至Adele愛上了Emma，她依然走上街頭，但為的不再是別人，而是自己；她從往日關心議題的旁觀者，而變成議題本身；她的眼神亦比以往更堅定，因她很清楚自己所要的，以及理解到要爭取幸福，需勇敢站出來。

電影對於同志的描寫，沒有刻意煽情，反而很平實地呈現不同階段的悲喜；而且整套戲就如年前的《非單親關係》一樣，無論是劇情及設定，都對於同志給予一份尊重；片中情慾段落也如《色戒》般，是用以推進劇情，也為後來充滿劇力的衝突帶來舖墊，而非賣弄及帶有獵奇性；的確，本片的片長確實如「史詩式」電影般，但它並不冗長，相反電影十分雋永，而片不時出現的學術、文學交流，也跟片中角色的經歷對照，更添玩味及餘韻。

《戰火屠城》—「在最深的黑暗中，才有最亮的燭光」

英國電影《戰火屠城》(The Killing Fields)問世三十年，出了新版影碟；入手之餘亦重看這套經典反戰電影，依然覺得這是同類電影的上佳之作。

越戰是不少經典反戰電影的題材，如《現代啟示錄》、《烈血焚城》、《殺戳戰場》等，本片也不例外；不過，跟其他大多數戰爭片以軍人的視角出發不同，《戰火屠城》以兩位記者的視角出發，用較冷靜的角度去觀察這段沉重的歷史歲月。

本片並不強調戰爭如何扭曲人性，而是側重戰火為人民帶來的磨難；兩位主角西尼及迪斯，前者是一位是美國記者，後者是柬埔寨的記者兼翻譯，二人身處混亂不堪的柬埔寨，背景是美軍即將撤出柬埔寨、而「紅色高棉」仍然在柬埔寨進行殘暴清洗的年代；二人走遍鋒火大地，為報導亂局不辭勞苦；片中有呈現戰爭的殘酷，亦有描寫新聞工作者對自身專業的堅持，令本片多了一份濃烈的人文關懷。

對於殘忍、暴力的戰爭場面，電影沒有作太多正面的描寫，呈現更多的是往後的亂局：被暴政壓制的人民、混亂而人民不斷逃跑的絕望城市、無可奈何的家散人亡……此等情節，編導沒有刻意渲染，但一切併合後，卻有很強的感染力；片中最震撼的一幕，是迪斯從赤柬手中逃出後，經過一條屍橫遍野的河畔，角色巨大的求生本能，以及從不熄滅的希望之火，跟漫無邊際的「死亡之道」，形成強烈對比，畫面強烈之餘，亦直擊觀眾心靈。

電影寫新聞工作者的段落，亦是電影出眾的地方；不知怎的，總覺得其他電影中的記者，不是過於誇張，便是有過於失真的主觀設想；本片改編的是真實記者的經歷，本身有歷史的依據，演員的平實演出亦恰到好處；尤其是吳漢潤飾演的柬埔寨記者，演起來很真切；吳氏本身亦是赤柬殘暴歲月的倖存者，對於那段沉痛歲月有深切的體會，他在片中無奈、悲慟的眼神，有種穿透力，亦令人折服。

喜歡本片的另一個原因，是本片強調即使在黑暗、殘酷的歲月，人性的光輝仍然可以得以保存，希望最終亦不再是夢幻，而是可以變成真實；其他反戰電影令人看得痛心，或本身調子陰沉，像上述提過的幾套戲，都是從反面、陰暗的角度去拷問觀眾、反思戰爭的必要性，它們或透過狂亂的戰爭畫面，或透過呈現被扭曲的心靈及犯罪等，去揭示戰爭的荒謬，雖然效果凌厲，但總覺得悲觀，觀感是絕望大於一切。

《戰火屠城》是三十年前的作品，今日看來仍然令人反思；電影提醒著人們戰爭為國家、人民帶來的夢魘是一生相隨；電影描寫體制對傳媒的抗拒態度，更像一部預言書般；本片的精神最經得起考驗：無論經歷的是有多黑暗、多沉重，也不能抹掉心中的良善，更不要放棄希望；即使弱如雞蛋，但只要堅持到底，也會有撼動石牆的一天。

套用九把刀的一句話：「在最深的黑暗中，才有最亮的燭光；在最黑暗的時代裡，才能顯露最光輝的人性。 」

《腦男》—迷失罪與罰

《腦男》是去年日本的一套犯罪驚慄片，改篇自首騰瓜於的小說，述說的是一位高智天才與另一位變態殺手的角力，當了衍生很多罪與罰的迷思；看完全片，雖覺得劇情上有沙石，但電影帶出的善惡問題十分糾結，令人反思。

看《腦男》的感覺跟《告白》、《贖罪》、《惡之教典》等犯罪電影不同，後者雖然說的都是病態的犯罪，但著重的是扭曲的心理描寫，是非黑白的界線倒是仍然清晰，亦未進一步質疑現存的制度；《告白》中的老師因女兒被殺向學生復仇；《贖罪》中的的母親，亦因女兒死去而向當年的證人問責；《惡之教典》中的暴力教師，犯罪是因為本身人格，而非受外界影響。

來到《腦男》，電影(或小說)像是一次又一次拷問觀眾，現今的制度是否能真正實踐正義？電影出現一個又一個讓角色(觀眾)抉擇的處境，而每次的答案似乎都是懷疑現今的體制；男主角鈴本一郎自小被灌輸成「正義的殺人機器」，亦一次次去狙擊逍遙法外的罪犯，自認為實踐絕對正義，亦認為殺戳只要目的正確便順利成章，甚至可取代固有制度；他的對手則像互相對照的另一面鏡子，純粹為殺戳而殺戳，認為這是自己存在的目的。

電影對於兇案受害者及施暴者的設定，亦跟其他受害者反制、甚至變成復仇天使相異；片中有一個醫生，她的弟弟被乖戾的少年殺害，自己及母親都承受了沉重的傷痛；不過，醫生選擇了一條苦路—自己負起治療少年的責任，試圖令自己得到救贖，令對方改過自新；這一條線貫穿全片，過程十分曲折，而帶給觀眾的質問亦最強烈。

高智主角由生田斗真演繹，他的演出令電影增加了可觀性；片中的他是極聰明，但近乎不具任何情感；演員的表情幾近像機械人般，只有眼神及表情有微小的變化，而當他「實踐正義」時冷靜的舉止，亦加強了說服力；至於跟他有對手戲的殺人狂，由二階堂富美演出；她在《一代電影粉皮》演出狂放，來到本片卻過於漫畫化，帶不出角色的陰沉，有點失色。

至於電影對於體制鞭撻得最劇烈的地方，是呈現在江口洋介飾演的警探茶屋及整個警察團隊上，特別是茶屋；茶屋相信制度、證據，卻經歷一次又一次的失敗，他所信奉的是社會主流認同的價值觀，是非黑白交由體制處理，因為這是最公正；但他的信念(或可代入成觀眾)一步步被主角、所發生的事擊潰：正義是否得到申張，電影沒有給予絕對的答案。

沉重而糾結的命題、主角的上乘演出，可以補足到電影劇情上舖排上的問題；個人覺得這是去年其中一套值得留意的作品，亦有點意外去年沒有在港上映。